28 January - 10 March 2012
– Texts –
RÉMY HYSBERGUE / KIKO PÉREZ
We are pleased to present the second solo show by french artist Rémy Hysbergue at Bourouina Gallery, as well as the first gallery exhibition of spanish artist Kiko Pérez in Germany.
Rémy Hysbergue continuously explores the essence of painting mostly using unexpected materials such as velvet, mirror, or PVC. When viewed within the context of Hysbergue's work to date, his latest work series Images, constitutes a clear statement that is an expansion of his aesthetic means. The series draws its great energy from light, which provides the basis for a play of shadows and grey-scale modulation. By using acrylic spray paint, which he applies on PMMA (acrylic glass), he creates transparencies, veils and shades.
The formal language used by these new works is an attempt to capture the "residue" of art history by means of painting. Besides the relative absence of colour, the Images series has a specific analogue appearance - in the sense of a naturalistic reproduction of light that is integral to photography and film. Still, this analogue stance is not meant in any nostalgic sense: the spray paint technique taken from graffiti art captures the present upon the surface of the painting.
The play with light and shadow provides Hysbergue's comprehensive body of work with a new sensual component. With his blackish white light and shadow dance, he has stepped aways from pure abstraction to approach the world of objects, while emphatically refraining from depicting it.
Kiko Pérez has a sharpened eye for forms. His geometric compositions, including murals, assemblies of wooden strips or layers of enamel on delicate paper, emerge from an emotional process in which he makes formal aspects of everyday life his own. The simplification and the rhythmic variation of the geometric motif is part of his formal investigation. He removes the forms from their initial references. By displacing and translating them, Pérez loosens the stereotypes of prevailing aesthetic premises in the history of the modern age and turns their values upside down.
Though the allusion to minimalism would appear inevitable, Pérez works in fact exude an unusual warmth - in stark contrast to the autonomous minimalistic form: they are cultural shapes based on other cultural shapes on the everyday landscape. A specific materiality and hand-crafted texture is emphasized and indicates a sense of imperfection - in itself unusual for the representation of geometrical figures - and marks an important characteristic his work. Each presentation is an opportunity to reactivate the work in a formalization that is both specific and provisional. By means of a process of edition, the parts are reordered in relation to each other as well as the context in which they are shown.
The exhibition includes murals, sculptures and works on paper by Kiko Pérez.
RÉMY HYSBERGUE / KIKO PÉREZ
Wir freuen uns sehr, die zweite Soloausstellung des französischen Künstlers Rémy Hysbergue in der Bourouina Gallery, sowie die erste Galerieausstellung des spanischen Künstlers Kiko Pérez in Deutschland zu präsentieren.
Auf meist ungewöhnlichen Materialien wie Samt, Spiegel oder PVC erforscht Rémy Hysbergue fortwährend die Essenz der Malerei. Seine neue Serie Images ist im Kontext seines Schaffens ein klares Statement, das eine Erweiterung seiner ästhetischen Mittel aufzeigt. Die Serie schöpft ihre Energie vor allem aus Licht, als Basis für einSpiel aus Schatten und Grauverläufen. Durch Auftragen von Acryl-und Alkyd-Sprühfarbe auf PMMA (Acrylglas) erschafft Hysbergue Transparenzen, Schleier und Schatten. Die Formensprache dieser neuen Arbeiten ist ein Versuch die Residuen der Kunstgeschichte durch die Mittel der Malerei zu erfassen. Neben der relativen Abwesenheit von Farbe, besitzt die Images Serie eine spezielle analoge Präsenz– Analog im Sinne von Fotografie und Film, und deren natürliche Abbildung von Licht. Trotzdem ist analog nicht im nostalgischen Sinne gemeint: Die der Graffitikunst entlehnte Sprühtechnik holt die Gegenwart auf die Bildoberfläche.
Das Spiel von Licht und Schatten fügt Hysbergues umfangreichen Werk eine neue sinnliche Komponente hinzu. Mit seinem schwarz-weißen Licht und Schattentanz tritt Hysbergue heraus aus der reinen Abstraktion und nähert sich vorsichtig der Welt der Dinge an, ohne diese abzumalen.
Kiko Pérez hat einen geschärften Blick für Formen. Seine geometrischen Kompositionen - Wandarbeiten, Holz-Arrangements oder Lackschichten auf zartem Papier – entstammen einem emotionalen Prozess, in dem er sich Formen des täglichen Lebens zu Eigen macht. Die Vereinfachung und rhythmische Variation des geometrischen Motivs ist hier wichtiger Teil von dessen Erforschung. Pérez entfernt die Form aus ihrem ursprünglichen Zusammenhang, löst sie von Stereotypen vorherrschender ästhetischer Prämissen der Moderne und kehrt so ihre Werte um.
Obwohl ein Minimalismus-Bezug unbestreitbar ist, strahlen die Arbeiten von Pérez eine Wärme aus, die im starken Kontrast zur autonomen minimalistischen Form steht. Seine Formen sind kulturelle Formen, die auf anderen Formerscheinungen unseres täglichen Umfelds basieren. Die besondere Materialität und handgemachte Textur die auf Unvollkommenheit verweist – per se ungewöhnlich für die Darstellung von geometrischen Figuren – ist ein wichtiges Moment in den Arbeiten. Jede neue Präsentation bietet die Möglichkeit die Arbeit in einer spezifischen und doch provisorischen Formalisierung zu reaktivieren. Durch ein Auswahlverfahren werden die Arbeiten neu arrangiert und in Verbindung zueinander, sowie im Kontext in dem sie präsentiert werden, gebracht.
Die Ausstellung zeigt Wandarbeiten, Skulpturen und Papierarbeiten von Kiko Pérez.
Twilight Zone (About the work of Rémy Hysbergue)
Whatever the extent to which most contemporary abstract painters might ignore working with light as a means by which to achieve pictorial staging, it constitutes the very source from which the paintings that comprise Remy Hysbergue’s Images series in fact draw their great energy. Indeed, it is, above all, light that make Hysbergue’s most recent paintings into testaments to an intermittent abstract world. They reveal reality as commensurate to an eclipse; though the lights and shadows are employed with consummate accuracy, the forms appear, upon first glance, to have evaded any Earthly aesthetic.
Alongside the almost tender play with shadows and grey-scale modulation, there is a conspicuous severity in these paintings. Its abrasive presence emerges through the sharp contours that guide the gaze like crash barriers alongside a highway. The formal language employed by Hysbergue suggests an attempt to capture the badly battered residuals of art history. More precisely, one ought to say: Remy Hysbergue sprays this residue directly onto his canvases. That is, he has all but desisted entirely from using any brushes for the current series. In fact, canvas is not altogether correct either—at least not in the traditional sense; his painting grounds consist rather solely of PMMA (or acrylic glass), onto which he applies acrylic paint.
Remy Hysbergue veritably bursts the boundaries of painting. Plastic canvases send their regards to mass industrial culture (PMMA is used, among other things, for the production of computer monitors), thereby transporting painting into the digital age and liberating it from the narrow horizons of its tradition. Hysbergue’s unexpected selection of materials is typical of his work. For his past series Velour, he selected velvet for his painting grounds. For his subsequent Pour l’instant series, he used mirrors as grounds so that beholders of the works could see their own reflections among abstract, partly expressive and partly impulsive explosions of colour, among which they could see their own reflections—thus becoming an integral, though fleeting, part of the pieces themselves. Hysbergue’s painting discards the use of any hermetical qualities, instead incorporating the beholder into its own presence. It absorbs time into its existence like a sponge. It functions as an open system.
Surfaces was the title of his last exhibition at the Bourouina Gallery in June 2009. Beyond the scope of both Modernism and Postmodernism, and regardless of any specific discourse over contemporary art, Hysbergue’s work invariably aims at achieving the production of painterly presence. Instructed by the past and utterly saturated in the present, it points toward the surface of the canvas—the showplace for the welling up of an aesthetic eagerness: the notion that one should accept the material and embrace its intractability instead of coercing it into forms. According to Hysbergue, ‘I produce and collect mistakes that evolve into paintings, which, in turn, produce mistakes.’
When viewed within the context of Hysbergue’s work to date, the pieces shown at the current exhibition constitute a clear statement that is less a kind of radical departure than it is an expansion of his aesthetic means. Immediately apparent upon first glance is the absence of colour. The frame of reference, however, has also evolved. To the extent that the apriority of the digital world was still explicit in the artist’s Velour, Pour l'instant or Pour Voir series, Images appears to be oriented, above all, toward an analogue appearance—analogue in the sense of the kind of naturalistic reproduction of light that is integral to photography and film. The paintings from Pour Voir, for example, are in many ways akin to what might be painterly reproductions of digital image artefacts, the complex line grids to depictions of network structures. Still, this analogue stance is not meant in any nostalgic sense; the spray paint technique appropriated from graffiti art is just as adept at capturing the present upon the surface of the canvas as are the fine contour structures of Pour Voir. Intrinsic to both is not only the PMMA ground but also, most notably, the signature style of the painter, who disrupts the technical demeanour of the contextual framework with eruptive, refreshingly course elements. The apriority in both cases is a technical one (related to computers or photography, for example) but also consists, above all, of the assumption that painting produces a diaphanous surface upon which the state, or better, the constitution of the world can find expression in abstract terms. Hysbergue has chosen to traverse a path that in many ways runs contrary to the Postromantic, restorative tendencies often encountered in contemporary painting. The basic precept of his work is that the complexity of reality cannot be represented by any figurative means. The image that is displayed in the monitors and screens at which we gaze by the minute, or even by the second, is an abstract one—the result of computed processes. Because the aesthetic of the present is comprised of ones and zeros, the only valid course for contemporary painting to pursue is one of abstraction. That being the case, Hysbergue’s mode of abstraction is also certainly rooted in the history of art. A relatedness to Classic Modernism is clearly recognizable in his paintings. Its formal language reemerges in Hysbergue’s work in an impulsively fractured form. Indeed, even the photographic deportment of the Images series could be said to bear an indication as to one of the grounds upon which painting became abstract at all: the invention of the photograph. At the same time, the play with light and shadow provides Hysbergue’s comprehensive body of work with a new sensual component. He has stepped away, with his blackish white light and shadow dance, from ‘digital’, pure abstraction to approach the world of objects and things once more with caution, while emphatically refraining from depicting it.
The literary scholar Hans Ulrich Gumbrecht has referred to the present time as a broad present, as it is one which brings forth innumerous streams and currents simultaneously. While the future, according to Gumbrecht, appears more threatening—in the face of political, economic and ecological crises—than it has long since done, we are swamped by the past at the same time, inundated with the weighty momentum of an endless archive. ‘I try to escape the burden of postmodernism’, says Hysbergue. Within and among the whirling eddies of this present—in terms of not only political, economic and social but also artistic matters—Hysbergue calls colour and brings background into position. The expressive nature of a series such as Pour l'instantand the aesthetic severity of Images are like the flotsam of time—collateral damage. Yet, the resoluteness and emotionality contained within them is not unfiltered but rather thoroughly calculated. It would be no exaggeration, were one, in his handling of light with the Imagesseries, to claim having discovered—alongside the aforementioned connectedness to classic modernist abstraction—the traces of William Turner’s hysterically beautiful paintings of the heavens or the dramatic figuration of Rembrandt or Caravaggio—founded, above all, upon a masterful handling of light. One also encounters traces of light as seen by the Impressionists, or the photographer Wolfgang Tillmans. One recalls the silent films of the 1920s. Likewise, Hysbergue could well have found the models for his Images among the same cutting table upon which Jean-Luc Godard’s Breathless found its form. They could even almost be stills taken from a Stan Brakhage film and painted onto canvas—or from a hastily produced, discarded photo experiment of Man Ray’s. It is as though Hysbergue has, with squinted eyes, allowed his gaze to roam through the whole of the history of art and up into the present. The borders blur, as do the epochs and the respective formal languages: painting as an open system, a Twilight Zone—reality as an eclipse. As described by Walter Benjamin, ‘The true image of the past rushes by. Only as an image that just barely flashes its nevermore in the instant of its knowability can the past be retained.’ Art history is, in Remy Hysbergue’s painting, a flash in the present. Its light is painted by the shadows cast upon the acrylic glass of the canvas.
Text: Hendrik Lakeberg
Translation: Nathan Moore
Twilight Zone (Über die Arbeit von Rémy Hysbergue)
Ignorieren die meisten zeitgenössischen abstrakten Maler das Licht als Mittel der Inszenierung, so schöpfen die Bilder von Remy Hysbergues Serie Images (dt: Bilder) aus ihnen ihre Energie, denn es ist vor allem das Licht, das Remy Hysbergues aktuelle Malerei zu Zeugnissen einer abstrakten Zwischenwelt macht. Sie zeigt die Wirklichkeit als Ellipse. Denn der Licht- und Schattenwurf stimmt, doch die Formen scheinen auf den ersten Blick keiner weltlichen Ästhetik zu folgen.
Neben dem fast zarten Spiel der Schatten und Grauverläufe, liegt eine Härte in diesen Bildern. Ihre grobe Präsenz entsteht durch die scharfen Linien, an denen sein Blick geleitet wird wie von Leitplanken einer Autobahn. Die Formensprache von Hysbergue wirkt als malte er ramponierte Residuen der Kunstgeschichte. Genauer müsste man sagen: Remy Hysbergue sprüht diese Residuen auf die Leinwand, denn er arbeitete für die Serie Images kaum mit dem Pinsel. Und auch Leinwand stimmt nicht, zumindest nicht im traditionellen Sinne, denn als Hintergrund verwendete er durchgehend PMMA, also Acrylglas, auf das er Acrylfarbe aufträgt.
Remy Hysbergue sprengt die Grenzen der Malerei. Eine Leinwand aus Kunststoff begrüßt die Massen- und Industriekultur (PMMA wird unter anderem auch zur Herstellung von Computermonitoren verwendet), sie transportiert die Malerei in das digitale Zeitalter und löst sie aus den engen Grenzen ihrer Tradition. Unerwartete Materialentscheidungen sind typisch für Remy Hysbergues Arbeit. In der Vergangenheit malte er für die Serie Velour auf Samt. Später hat er für die Serie Pour l’instant Spiegel ausgewählt, in denen sich der Betrachter zwischen den expressiven und impulsiv, abstrakten Farbexplosionen fragmentarisch sehen konnte und zum Teil des Werks wurde. Hysbergues Malerei bleibt nie hermetisch, sie macht den Betrachter zu ihrem Teil. Wie ein Schwamm saugt sie die Zeit in sich auf. Sie funktioniert als offenes System.
Surfaces hieß die letzte Ausstellung in der Bourouina Gallery (Juni 2009). Jenseits von Moderne und Postmoderne, jenseits von Diskursen der zeitgenössischen Kunst zielen Hysbergues Arbeiten auf die Produktion von malerischer Präsenz. Geschult an der Vergangenheit und vollgesogen mit Gegenwart verweisen sie auf die Oberfläche der Leinwand. Sie ist der Schauplatz für das Aufwallen einer ästhetischen Ungeduld: Das Material zulassen, seine Widerspenstigkeit akzeptieren, statt sie in Formen zu zwingen. Remy Hysbergue sagt: „Ich produziere und sammle Fehler, die zu Bildern werden, die wieder Fehler produzieren.“
Die Arbeiten der aktuellen Ausstellung sind im Kontext von Hysbergues Werk ein Statement. Weniger ein radikaler Umbruch, als eine Erweiterung seiner ästhetischen Mittel. Offensichtlich ist auf den ersten Blick die Abwesenheit von Farbe. Aber auch der Bezugsrahmen ist ein anderer. Sah man den Serien Velour, Pour l'instant oder auch Pour Voir noch das a priori der digitalen Welt deutlich an, so scheint sich Images vor allem an einem analogen Look zu orientieren. Analog im Sinne von Fotografie und Film, und deren natürlichen Abbildung von Licht. Die Bilder zum Beispiel von Pour Voir wirken wie die malerische Reproduktion von digitalen Bildfehlern, die komplexen Linienraster wie die Verbildlichung von Netzwerkstrukturen. Und doch ist analog nicht im nostalgischen Sinne gemeint. Die der Graffitikunst entlehnte Sprühtechnik holt die Gegenwart genauso auf die Bildoberfläche wie die feinen Linienstrukturen von Pour Voir. Beiden gemeinsam ist nicht nur der Hintergrund aus PMMA, es ist vor allem die Handschrift des Malers, der die technische Anmutung des Bezugsrahmens durch eruptive, wohltuend grobschlächtige, Elemente unterbricht. Das a priori ist in beiden Fällen ein technisches (Computer oder Fotografie), aber vor allem die Annahme, dass Malerei eine durchlässige Oberfläche produziert, auf der die Beschaffenheit, oder besser: die Konstitution der Welt einen abstrakten Ausdruck findet.
Hysbergue wählt einen konträren Weg zu den postromantischen, restaurativen Tendenzen, die in der zeitgenössischen Malerei zu finden sind. Die Grundannahme von Hysbergues Malerei ist, dass sich die Komplexität der Wirklichkeit nicht mit den Mitteln der Figuration darstellen lässt. Das Bild, das die Monitore und Displays zeigen, auf die wir minütlich, ja sekündlich blicken, ist ein abstraktes, das Ergebnis von Rechenprozessen. Die Ästhetik der Gegenwart ist aus Einsen und Nullen gemacht, deshalb ist der einzige Weg der zeitgenössischen Malerei die Abstraktion. Doch Hysbergues Abstraktion wurzelt auch in der Kunstgeschichte. Ein Bezug zur klassischen Moderne ist in den Bildern lesbar. Ihre Formensprache findet sich in Hysbergues Malerei impulsiv gebrochen wieder. Und vielleicht ist die fotografische Anmutung der Serie Images auch ein Hinweis auf den Grund, aus dem die Malerei überhaupt abstrakt wurde: Die Erfindung der Fotografie. Gleichzeitig fügt das Spiel mit Licht und Schatten Hysbergues umfangreichen Werk eine neue sinnliche Komponente hinzu. Er tritt heraus aus der „digitalen“, puren Abstraktion und nähert sich mit dem schwarz weißen Licht und Schattenspiel von Images wieder vorsichtig der Welt der Dinge an, ohne sie abzumalen.
Der Literaturwissenschaftler Hans Ulrich Gumbrecht nennt diese Gegenwart eine breite Gegenwart, da sie zahllose Strömungen synchron hervorbringt. Gleichzeitig erscheint uns, stellt er fest, die Zukunft auf Grund politischer, ökonomischer und ökologischer Krisen so bedrohlich wie lange nicht, während uns die Vergangenheit mit der Wucht eines endlosen Archivs überflutet. „Ich versuche der Last der Postmoderne zu entkommen“, sagt Hysbergue. Im Strudel dieser Gegenwart, nicht nur der politischen, ökonomischen und gesellschaftlichen, sondern auch der künstlerischen, bringt Hysbergue Farbe und Hintergrund in Stellung. Das Expressive einer Serie wie zum Beispiel Pour l'instant und die ästhetische Härte von Images sind wie Strandgut der Zeit, Collateral Damage. Doch die Entschlossenheit und Emotionalität, die in ihnen liegt, ist nicht ungefiltert, sondern wohl kalkuliert. Es ist nicht übertrieben, wenn man neben dem erwähnten Bezug zur Abstraktion der klassischen Moderne in dem Umgang mit Licht in der Serie Images die Spuren von William Turners hysterisch schönen Himmelsmalereien findet, oder von der Dramatik der Figuration bei Rembrandt oder Caravaggio, die vor allem auf dem virtuosen Umgang mit dem Licht basiert. Man findet Spuren des Lichts wie die Impressionisten es sahen oder auch der Fotograf Wolfgang Tillmanns. Man denkt an die Stummfilme der 20er Jahre. Ebenso könnte Hysbergue die Vorlagen dieser Bilder unter dem Schnittplatz gefunden haben, an denen Jean-Luc Godards „Außer Atem“ seine Form fand. Sie könnten gemalte Stills aus einem Stan Brakhage Film sein. Oder ein hastig hergestelltes, aussortiertes Fotoexperiment von Man Ray. Es ist, als ob Hysbergue seinen Blick mit zusammen gekniffenen Augen durch die Kunstgeschichte bis in die Gegenwart schweifen lässt. Die Grenzen verwischen, die Formensprache, die Epochen: Malerei als offenes System, eine „Twilight Zone“, Wirklichkeit als Ellipse. Walter Benjamin schreibt „Das wahre Bild der Vergangenheit huscht vorbei. Nur als Bild, das auf Nimmerwiedersehen im Augenblick seiner Erkennbarkeit eben aufblitzt, ist die Vergangenheit festzuhalten.“ Kunstgeschichte ist in Remy Hysbergues Malerei ein Aufblitzen in der Gegenwart. Ihr Licht malt die Schatten auf das Acrylglas der Leinwand.
Text: Hendrik Lakeberg
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